SE TRABAJARA:
1: INICIACIÓN MUSICAL
2: MÚSICA TRADICIONAL
3: MÚSICA UNIVERSAL
4: MÚSICA POPULAR
sábado, 12 de octubre de 2013
introduccion
SE TRABAJARA:
1: INICIACIÓN MUSICAL
2: MÚSICA TRADICIONAL
3: MÚSICA UNIVERSAL
4: MÚSICA POPULAR
iniciacion musical del niño
“El elemento más novedoso y característico de la educación musical actual lo constituye el papel preponderante que se ha asignado al factor psicológico en la enseñanza. Al haberse desplazado hacia el niño el acento y la preocupación pedagógica, anteriormente concentrados en la materia misma, se amplía y diversifica el panorama educativo con respecto a los enfoques precedentes.Si bien encontramos interesantísimos esbozos de esta tendencia a través de la historia de la educación musical, es indudable que el progreso extraordinario de la psicología durante el presente siglo ha permitido obtener resultados más concretos y optimistas. Por otra parte, la investigación de los mecanismos psicológicos que intervienen en el proceso de la audición y el aprendizaje musicales, muestra de qué manera es posible observar, promover e impulsar el desarrollo de la musicalidad prácticamente en todo individuo. Ya no es posible aceptar el criterio de otras épocas en que sólo recibían enseñanza musical los “bien dotados”o quienes tenían medios para procurarse una instrucción especial.
Puede decirse que hoy comienza ya a operarse una paulatina generalización de la educación musical en nuestro país, con la consiguiente “musicalización” de nuestros niños. También se reeducan con éxito aquellos adultos que se sienten frustrados por no haber logrado jamás entonar correctamente ni siquiera la más sencilla canción infantil.
Maurice Chevais ha caracterizado esta enseñanza “tradicional” en los siguientes términos: “Los tradicionalistas puros definen desde el primer día el arte y la música. Les encanta aplicar fórmulas y se dirigen a la memoria de los niños para obtener la “repetición exacta”. Consagran, con la tiza en la mano, demasiado tiempo a los desarrollos teóricos y ven los hechos musicales comunes como una mera aplicación de las reglas que enseñan”. Y más adelante prosigue: A estos métodos no les importa ni la música ni el niño. Tal enseñanza sólo puede resultar provechosa para los bien dotados. Y constituye una grave crítica para un método el hecho de que se dirija a una minoría, sobre todo tratándose de una enseñanza artística, cuyos beneficios debieron poder extenderse a todos. Si algunos tradicionalistas brillantes han sacado buenos alumnos, pensemos en lo que esos mismos profesores obtendrían de los mismos alumnos con un poco de pedagogía”.
No existe más que una meta, única y clara, en la educación musical, y consiste en que el niño ame la música. Cuanto más la comprenda, más cerca estará de ella y más la amará. Sólo tendrá derecho a llamarse “educación” musical una enseñanza que sea capaz de contemplar las necesidades inherentes al desarrollo de la personalidad infantil y que se proponga cultivar el cuerpo, la mente y el espíritu del niño a través de la música.
Muy distinta tendrá que ser la actividad pedagógica a la que desplegaba el antiguo maestro de música. Más que nunca, los niños conocen sus derechos y exigen que éstos sean respetados: poco se parecen los niños de la actualidad a aquellos de las generaciones pasadas, que no osaban rebelarse frente a maestros o materias que sólo conseguían aburrirlos y fatigar su atención. La infancia es movimiento, actividad, ensayo constante, vida que pugna por proyectarse y hallar un cauce por donde fluir libremente. La música posee las condiciones necesarias para llegar a satisfacer sus más íntimos anhelos.
Por eso creemos que el factor psicológico es lo que caracteriza más propiamente a nuestro método. Los principios básicos y el ordenamiento que propugnamos en los diversos aspectos de la enseñanza rsponden casi siempre a una interpretación personal -basada estrictamente en la experiencia- de los procesos psicológicos que se operan en el niño con motivo del aprendizaje musical. “…
…”Vivir la música, hacer música, comprenderla, son los objetivos fundamentales del aprendizaje musical”…
…”Tendremos presente , además en todo momento, que el niño no aprende por repetición sino por un acto de comprensión, más aún, de revelación. Nos dirigiremos pues a su sensibilidad y a su entendimiento y no a su memoria. No nos limitaremos a señalarle sus errores, sino que aspiraremos en todos los casos a que perciba el origen de los mismos y pueda, de este modo, superarlos. No tendremos, en fin, ningún apuro en introducirlo en el mundo de la notación a menos que hayamos captado pruebas reales de su madurez. Trataremos, por otra parte, de desterrar definitivamente el impersonalismo y la agresividad de la enseñanza: el niño se aburre cuando no comprende…y no comprende cuando el maestro no ha acertado con el medio justo, con la explicación precisa, con la palabra oportuna. ¿Qué sentido tienen entonces la reprensión y el reproche como recursos pedagógicos?
Nuestro propósito, al presentar este panorama de la iniciación musical y los diversos problemas que ésta plantea, es transmitir a los maestros y futuros maestros de música las conclusiones útiles a que nos ha conducido el ejercicio apasionado y constante de la pedagogía musical.”
iniciacion musical de 2 a 5 años
El programa de Iniciación Musical incluye actividades como:
Educación auditiva
Expresión corporal y escenificación
Educación vocal
Ritmo
Expresión musical
Relajación
Práctica de instrumentos
Orientación espacio-temporal
El ciclo de Iniciación Musical facilita el contacto con la música desde edades muy tempranas, estimulando las capacidades intelectuales, artísticas y emocionales del niño. Además el acercamiento a la disciplina musical se realiza desde un prisma lúdico donde los niños se divierten mientras aprenden y desarrollan sus aptitudes musicales.
En CEDAM hemos alcanzado muchos éxitos profesionales pero, posiblemente, del que nos sentimos más orgullosos es el de servir de puerta de acceso al fascinante mundo de la música. Desde este punto de vista el ciclo de Iniciación Musical siempre ha jugado un papel muy importante en nuestra metodología educativa. Algunos de nuestros alumnos empiezan precisamente con este curso.
actividades de iniciacion musical
Este proyecto ha nacido para cubrir la necesidad de una escuela musical infantil que actualmente no hay, encontrando guarderías musicales o escuelas para eruditos. Simplemente queremos impartir un programa adecuado a las edades del niño en el que se estimule y divierta aprendiendo música.Con este curso el niño comenzará a explorar y desarrollar su oído, su sentido rítmico y la búsqueda de su propia voz las cuales son expresiones fundamentales del lenguaje musical, facilitando en él el desarrollo de aptitudes musicales.
Fundamentalmente el acercamiento de los niños con la música se utilizara como un medio de expresión de sus sentimientos, sensaciones y como un elemento integrador.
Basado en tres métodos musicales: Kodály, Orff y El efecto Mozart.
Beneficios del curso:
Educación Auditiva
Enriquecer vocabulario
Estimular y mejorar la expresión corporal y motricidad
Aumentar la concentración y capacidad de aprendizaje
Reducir los niveles de ansiedad en niños hiperactivos y relajarlos
Fomentar buenas relaciones con padres, maestros y compañeros
Mejorar la seguridad y autoestima
Objetivos específicos:
Reproducir, repetir y crear ritmos, sonidos y movimientos
Agudizar la percepción auditiva
Hablar, cantar y comunicarse
Desarrollo de su coordinación y motricidad
Expresar libremente sus sentimientos a través de la música
Conocer y manipular algunos instrumentos musicales
Identificar las partes de su cuerpo
Lograr un buena integración con el grupo
Actividades:
Juegos, danzas, canciones y expresión corporal y gestual
Ecos rítmicos y melódicos
Reproducción de sonidos de la naturaleza y de su entorno
Actividades plásticas (dibujos)
Cuentos musicales
Audiciones de diferentes músicas (grabaciones, videos, conciertos)
Contacto con algunos instrumentos, aprendiendo a identificarlos
Construcción de instrumentos de pequeña percusión
Actividades de fin de curso
iniciacion musical infantil
La música está siendo introducida en la educación de los niños en edades preescolares, debido a la importancia que representa en su desarrollo intelectual, auditivo, sensorial, del habla, y motriz.La música es un elemento fundamental en esta primera etapa del sistema educativo.El niño empieza a expresarse de otra manera y es capaz de integrarse activamente en la sociedad, porque la música le ayuda a lograr autonomía en sus actividades habituales, asumir el cuidado de sí mismo y del entorno, y a ampliar su mundo de relaciones. La música tiene el don de acercar a las personas. El niño que vive en contacto con la música aprende a convivir de mejor manera con otros niños, estableciendo una comunicación mas harmoniosa. A esta edad la música les encanta. Les da seguridad emocional, confianza, porque se sienten comprendidos al compartir canciones, e inseridos en un clima de ayuda, colaboración y respeto mutuo.
Los beneficios de la música en los niños
La etapa de la alfabetización del niño se ve mas estimulada con la música. A través de las canciones infantiles, en las que las sílabas son rimadas y repetitivas, y acompañadas de gestos que se hacen al cantar, el niño mejora su forma de hablar y de entender el significado de cada palabra. Y así, se alfabetizará de una forma más rápida.
La música también es beneficiosa para el niño e en cuanto al poder de concentración, además de mejorar su capacidad de aprendizaje en matemáticas. La música es pura matemática. Además, facilita a los niños el aprendizaje de otros idiomas, potenciando su memoria.
Con la música, la expresión corporal del niño se ve mas estimulada. Utilizan nuevos recursos al adaptar su movimiento corporal a los ritmos de diferentes obras, contribuyendo de esta forma a la potenciación del control rítmico de su cuerpo. A través de la música, el niño puede mejorar su coordinación y combinar una serie de conductas.
que es la musica tradicional
La música tradicional, música folclórica , música típica o folk (como se le conoce en algunos países de América), es la música que se transmite de generación en generación (y hoy día también de manera académica) como una parte más de los valores y de la cultura de un pueblo. Así pues, tiene un marcado carácter étnico que normalmente no la hace fácil de comprender a escala internacional. No obstante, existen excepciones notables como el flamenco, la jota, el tango, la Cueca, la samba, cumbia colombiana y, en general, todos los ritmos latinos que hayan mantenido cierta entidad propia con el tiempo y sean algo más que una moda.Dentro de nuestra música tradicional popular se encuentran ritmos, muchos de ellos llegados en tiempos de la colonia, otros posteriores a esta que poco a poco se fueron mezclando con nuestra música aborigen para dar cambios en su forma armónica así como en el ritmo y la melodía; muchas de las canciones y ritmos en su mayoría llegados a nuestro territorio, eran cantos proanos y cantos religiosos por lo general traídos de España. Nuestro indio, mestizo o ladino optó estas formas, en algunos casos cambió su letra o su melodía pero siempre manteniendo el nombre del ritmo de la canción, aunque en algunos casos dándoles una interpretación diferente. De esta manera podemos decir que se ejecutan los siguientes ritmos; Las denominadas parranderas, callejeras o pasacalles, comprende a las jotas, vals-jota, danza y contradanza por lo general ejecutados por las “cimarronas… en turnos, corridas de toros, desfiles de disfraces y otras festividades; además del vals criollo, mazura, corrido, fox trot, polcas, pasillo. Pasodoble, etc. En la vertiente Atlántica se encuentran otros ritmos pertenecientes al grupo cultural afrolimonense , traídos de la zona por los negros que vinieron contratados por la construcción del ferrocarril; la mayoría de ellos vinieron de Jamaica, de las islas de Guadalupe, ST Kitts yde otras Antillas Menores. Para acompañar la danza denominada cuadrilla o cuadril y el square dance se puede escuchar el vals, el pasillo colombiano, la mazurca, marcha, gavota, polea, en algunos casos merengue antillano, calipso,frutas y más cosas de la vida cotidina.
genero folclórico tradicional en diferentes paises
MÚSICA FOLCLÓRICA DE COLOMBIA:
La música colombiana contiene diversos géneros que identifican cada región del territorio haciéndose muy frecuente el hallazgo de varios estilos musicales en cada una de las regiones. Esta rica diversidad musical se origina en la fusión de razas, pueblos y culturas que originó la actual sociedad y cultura colombiana.
La música folclórica colombiana tiene orígenes muy diversos. En efecto nació de una mezcla de varias culturas, esencialmente de tres: primero encontramos la cultura de los indígenas Americanos, a la cual se añadieron luego (después del descubrimiento de América) la cultura de los Africanos, que llegaron al continente americano a causa del tráfico de esclavos (trabajaban en las plantaciones de café y en las minas), y la cultura de los blancos Europeos (españoles en particular). También hay que mencionar las influencias del Caribe con Cuba, Trinidad y Tobago y Jamaica, y la cultura de los Árabes (vinculada por los españoles). De tal manera que hoy, la música colombiana es el resultado de un verdadero mestizaje cultural. A las razones humanas, hay que añadir el factor natural.
El paisaje colombiano es muy contrastado, con barreras físicas tan importantes que la comunicación entre las diferentes regiones era y es todavía complicada. Así que el intercambio entre las diferentes culturas y etnias no fue fácil, sin embargo, esto permitió a cada región mantener y desarrollar su propia cultura musical, con sus propios instrumentos. Colombia se compone de cinco regiones naturales: la región Atlántica, la región Pacífica, la región Andina, la región del Amazonas y la región de la Orinoquía o de los Llanos. Cada región tiene varias culturas, varios tipos de música con influencias diversas. Algunas regiones desarrollaron músicas mezclando las influencias, otras guardaron músicas más tradicionales.
Las danzas o bailes colombianos, hacen referencia a los diferentes bailes tradicionales y culturales que posee Colombia dentro de su folclore nacional. Las danzas en Colombia surgen principalmente, provenientes de culturas europeas, africanas, indígenas, andinas, e igualmente, pero en menor cantidad, persas. Los bailes, y danzas de Colombia, varían dependiendo de cada región o departamento. La riqueza colombiana, en variedad de danzas, la convertido tradicionalmente en una nación importante a nivel cultural en Latinoamérica.
Las danzas folclóricas de Colombia son frecuentemente divididas en seis regiones distintas, las cuales son:
La región nancy - Atlántica y Caribeña
La región original - Llanos Orientales
La región andina - Cordillera de los Andes
La región occidental - Pacífico colombiano
La región sur - Incluida la Amazonía
DANZAS:
ABOZAO: Danza y ritmo típico de la región del Chocó, se origina en la cuenca del río Atrato, subregión del Chocó, al occidente de Colombia, como expresión danzaria preferencialmente instrumental, y hace parte del repertorio festivo cuya ejecución se hace con Chirimía. La coreografía se plantea como un juego de incitaciones mutuas entre el hombre y la mujer, en cada pareja, terminando con un careo de acento erótico. El ritmo fuerte y variado de 2x4, revela su ascendiente africano.
Es un baile de pareja suelta con movimientos libres e individuales, sin planigrafía definida; tampoco tiene figuras preestablecidas ni hay coordinación de movimientos corporales, éstos se presentan espontáneamente, destacando el movimiento de las caderas, hombros y rodillas, con inclinaciones y rotaciones del cuerpo, vueltas y giros rápidos. Las parejas tienden a mantenerse frente a frente, aunque de vez en cuando los hombres dan un rodeo a su pareja, sin apartar la mirada de los movimientos corporales de la mujer. Como el contenido es acentuadamente erótico, todos los gestos son incitantes y provocativos. Sobre este baile los grupos de proyección han presentado formas coreográficas con base en círculos, filas o hilas, conservando los movimientos característicos.
BUNDE: Danza religiosa que se ofrece a los santos cuya coreografía difiere del currulao a pesar de ser interpretado por los mismos instrumentos.
Como ritmo musical esta muy extendido entre las comunidades afrocolombianas del litoral Pacífico, con un posible ascendiente en Sierra Leona (África). Tiene carácter de canción lúdica y difiere, en grado menor, de la forma de canto empleado en los velorios de los niños. En este sentido es una expresión de los ritos fúnebres y, a la vez, una forma de canto inserto en el ámbito de las rondas y juegos infantiles que ejecutan los chiquillos en el patio de la casa mientras los adultos se ocupan del rito mortuorio propiamente dicho.
cadrona baile muy dificil
CURRULAO: Es la danza patrón de las comunidades afrocolombianas del litoral Pacífico. Presenta características que sintetizan las herencias africanas de los esclavizados traídos en la época colonial para las labores de minería adelantadas en las cuencas de los ríos del occidente del territorio. En la ejecución del currulao es posible aún observar características propias de un rito sacramental impregnado de fuerza ancestral y de contenido mágico.
El currulao es un baile de pareja suelta, de temática amorosa y de naturaleza ritual. Los movimientos de los danzarines son ágiles y vigorosos; en el hombre adquieren por momentos una gran fuerza, sin desmedro de la armonía. La mujer perpetúa una actitud sosegada ante los anhelos de su compañero, quien busca enamorarla con flirteos, zapateados, flexiones, abaniqueos y los chasquidos de su pañuelo. La coreografía se desarrolla con base en dos desplazamientos simultáneos: uno de rotación circular y otro de translación lateral, formando círculos pequeños, los que a su vez configuran un ocho. Las figuras que predominan son la confrontación en cuadrillas, avances y retrocesos en corredor, cruces de los bailarines, giros, saltos y movimientos del pañuelo.
La danza adquiere gran belleza plástica mediante la concreción de variados elementos, como la esbeltez de hombres y mujeres, la seriedad ritual de los rostros, el juego con los pañuelos y la gracia de las actitudes, que son reforzadas con gesticulaciones, jadeos y giros. Como danza patrón, el currulao presenta variadas modificaciones regionales denominadas berejú, patacoré, juga, bámbara negra y caderona.
MÚSICA TRADICIONAL DE GUATEMALA:
Si bien la música tradicional guatemalteca tiene orígenes en la antigua cultura maya, cuyos elementos se fusionaron a partir del siglo XVI con componentes de las culturas españolas y afro-caribeñas. Esto está representado en la marimba, considerada instrumento nacional, que contiene elementos conceptuales y constructivos provenientes de cada una de estas tres culturas que forman la base de la cultura guatemalteca.
La marimba
La marimba es un idiófono de la familia de los xilófonos que ha tenido un desarrollo notable a partir del modelo cultural original. Se distingue la marimba de arco, un instrumento portátil con un teclado diatónico provisto de resonadores de jícara; la marimba sencilla, que ya es estacionaria, estando apoyada sobre patas de madera, y ocasionalmente provista de cajas de resonancia construidas de madera; y la marimba doble o cromática, inventada en 1894, que posee en adición al teclado original diatónico (que representa las teclas blancas del piano) un teclado adicional con las notas equivalentes a las teclas negras del piano, con lo cual se logra reproducir la escala cromática de doce sonidos. Este invento abrió las puertas a que la marimba pudiera asimilar la música pianística en boga para esa época, y tuvo como consecuencia la popularización inmensa del instrumento durante el siglo XX en Guatemala.
MÚSICA FOLCLÓRICA DE PANAMÁ:
La Música folclórica Panameña, descansa rítmicamente en los ritmos africanos, traídos por los esclavos a Panamá en la época de la colonización española. Sin embargo, melódicamente hablando tiene un fuerte influencia europea, proveniente principalmente de España, específicamente de las regiones de Andalucía y en menor medida de Galicia. La música indígena es la que menor influencia ha ejercido en la música folclórica mestiza panameña. Sin embargo, en el canto panameño es infaltable la saloma, la utilización de maracas y flautas, denominadas en las distintas regiones como "pitos" que son provenientes de los nativos americanos panameños. Lo anterior, no es óbice para decir que en las comarcas indígenas, su música es eminentemente de su estirpe con pocas influencias foráneas.
la música folclórica panameña es generalmente en compás binario en división 2/4 y 6/8. Normalmente las canciones son ejecutadas con un compás único y uniforme en toda su duración. Sin embargo, también es común que ambos compases alternen en una misma canción, característica identitaria de la música panameña.
En una gráfica de tiempo para 16 pulsos, los patrones de tiempo asimétricos para determinar el ritmo serian:
X.xxX.xxX.xxX.XX
Esta estructura sonora y de ejecución está ligada directamente a los ritmos musicales de origen Bantú en África, presente en muchos géneros folclóricos de Latino américa, sin embargo en Panamá tiene la particularidad de que su instrumentación le posibilita un tono más agudo, por medio del uso de la Churuca.
Una característica identitaria de los ritmos folclóricos de Panamá, es su celeridad que le da un tono festivo y alegre, son pocos los géneros musicales donde se tengan ritmos con tempo lento.
El instrumento de percusión por excelencia es el tambor de cuñas, en sus variantes: Pujador (sonido grave) y repicador (sonido agudo). Su origen fue investigado por el Prof. Manuel F.Zárate, quien pudo, por las informaciones recibidas de la directora del Real Museo de Bélgica en Tervuren, la Dra. Olga T. Boone, que los tambores panameños tienen procedencia de África en las regiones que comprende el Gabón Río Muni y el Camerón por un lado y el lago Techad has Futa Djalon por otro.2
La Caja: Instrumento cilíndrico hueco confeccionado de madera cubierto con cuero de venado, tiene parches por sus dos lados, y se toca con dos bolillos o palitos, es más que todo una emulación panameña artesanal del redoblante militar traído por los españoles.
La Tambora: Instrumento de iguales características que el descrito anteriormente, solo que la dimensiones son semejantes a un Bombo, aún se discute si su origen es africano, europeo o indígena.
MÚSICA FOLCLÓRICA DE MÉXICO:
Como toda la cultura del país, la (música de México) es fruto del mestizaje que se dio entre las tradiciones europeas, americana y africana, entre otras. La música mexicana es sumamente variada e incluye diversos estilos determinados por la región geográfica de proveniencia, así por las diferentes épocas de desarrollo.
Muchas de las canciones más famosas y tradicionales de México son conocidas en todo el mundo, aunque el origen mexicano de esas composiciones a veces no es claro para quien no está familiarizado con la cultura mexicana. Algunos ejemplos de canciones mexicanas famosas más allá de las fronteras del país son: "Bésame Mucho", "Cielito Lindo", "Cucurrucucú Paloma", "Amor, Amor, Amor", "Solamente una vez", "Somos novios", "Guadalajara", "El Rey", "Amorcito Corazón" y algunas más. Se ejecutan varios tipos de instrumentos musicales (algunos poco usados) de origen indígena (huehuetl, teponaztli) o mestizo (guitarrón, marimba), además de los europeos, que son muy populares.
MÚSICA INDÍGENA:
Se sabe muy poco de la música prehispánica de México, aunque son abundantes los grupos que reivindican esa tradición a lo largo de todo el país, siendo Jorge Reyes el principal representante de éste género en la época moderna.
En el estado de Puebla se conocen los grupos 9 ojo de reptil 13 pluma, así como el grupo Yei Mazatl, con diversas participaciones en escenarios nacionales y extranjeros, permitiendo a más personas el interesarse no solo en la ejecución, sino en la investigación de los orígenes de éste tipo de música.
Los indígenas carecían de instrumentos de cuerda, y su música estaba basada en percusiones e instrumentos de viento. Existen muy pocas referencias históricas y arqueológicas que permitan siquiera adivinar el tipo de música que cultivaban los indígenas antes de la llegada de los españoles, sin embargo se presume que era de tipo imitativa y guerrera, es decir que buscaban recrear los sonidos de la naturaleza con los instrumentos que fabricaban con barro, carrizo, pieles y demás, así como ritmos que acompañaban las danzas guerreras y rituales.
Del último período de la civilización mesoamericana se sabe que existía una deidad patrona del canto, la música y el juego. Su nombre era Xochipilli, el Príncipe Flor.
Actualmente se ha llevado a la música prehispánica al plano de la música etnoelectrónica, en la que prevalece la fusión de los instrumentos autóctonos con ritmos modernos como el house y el minimal, tal como lo hace el colectivo Wicholly Broders y Zompantli.
MUSICA MESTIZA: Internacionalmente conocido es el conjunto del mariachi, asociado a las grandes figuras de la "canción mexicana" ranchera, que tuvo su período de florecimiento entre las décadas de 1940 a 1970. Es un caso muy interesante pues un conjunto típico regional se convirtió en un símbolo nacional.
El mariachi es originario del occidente de México, específicamente de los estados de Nayarit, Colima y Jalisco, que se disputan su paternidad. Lo cierto es que en un principio, el mariachi era una orquesta popular e indígena, y su indumentaria nada tenía que ver con la del charro (es decir, el traje de los ricos hacendados ganaderos) e interpretaban los "sones de mariachi". Una nota interesante es que estos conjuntos musicales arribaron a la Ciudad de México antes que a la capital de Jalisco. A partir de la primera década del siglo XX comienzan a transformarse: visten el traje de charro (mismo que ya usaban las orquestas típicas desde el Porfiriato), y amplían su repertorio con piezas de diferentes regiones de la República: sones abajeños, jarabes, corridos, huapangos y canciones bravías, al estilo de Lucha Reyes. También añadieron la trompeta como instrumento imprescindible.
Con el auge del cine mexicano las películas de Tito Guízar , Jorge Negrete, Pedro Infante y Javier Solís, dieron a conocer el mariachi así como un México rural idealizado.
El son es una música en la cual se mezclan las influencias indígenas, españolas y africanas, incluso asiáticas en algunos casos. Se trata de un género con ritmo de 6/8, cuya instrumentación varía de región en región. Un conjunto de sones es denominado jarabe, y de este tipo, existen los jarabes Tapatío, Mixteco, del Valle, Tlaxcalteca, Michoacano, etc. A demás de los ya señalados sones de mariachi, hay son jarocho, huapango, son abajeño y muchos más. Géneros de aparición más tardía son la jarana y la trova yucateca, que se cultivan en la península de Yucatán, y que recibieron influencia caribeña (especialmente del son cubano) e incluso andina (bambuco colombiano); la chilena, originaria de los estados de Guerrero y Oaxaca, y que recibió la influencia de la cueca chilena y la marinera peruana. Así mismo surge la rondalla, en las clases sociales estudiantiles populares urbanas, en aquéllas que no podían adquirir los instrumentos de la estudiantina.
La música colombiana contiene diversos géneros que identifican cada región del territorio haciéndose muy frecuente el hallazgo de varios estilos musicales en cada una de las regiones. Esta rica diversidad musical se origina en la fusión de razas, pueblos y culturas que originó la actual sociedad y cultura colombiana.
La música folclórica colombiana tiene orígenes muy diversos. En efecto nació de una mezcla de varias culturas, esencialmente de tres: primero encontramos la cultura de los indígenas Americanos, a la cual se añadieron luego (después del descubrimiento de América) la cultura de los Africanos, que llegaron al continente americano a causa del tráfico de esclavos (trabajaban en las plantaciones de café y en las minas), y la cultura de los blancos Europeos (españoles en particular). También hay que mencionar las influencias del Caribe con Cuba, Trinidad y Tobago y Jamaica, y la cultura de los Árabes (vinculada por los españoles). De tal manera que hoy, la música colombiana es el resultado de un verdadero mestizaje cultural. A las razones humanas, hay que añadir el factor natural.
El paisaje colombiano es muy contrastado, con barreras físicas tan importantes que la comunicación entre las diferentes regiones era y es todavía complicada. Así que el intercambio entre las diferentes culturas y etnias no fue fácil, sin embargo, esto permitió a cada región mantener y desarrollar su propia cultura musical, con sus propios instrumentos. Colombia se compone de cinco regiones naturales: la región Atlántica, la región Pacífica, la región Andina, la región del Amazonas y la región de la Orinoquía o de los Llanos. Cada región tiene varias culturas, varios tipos de música con influencias diversas. Algunas regiones desarrollaron músicas mezclando las influencias, otras guardaron músicas más tradicionales.Las danzas o bailes colombianos, hacen referencia a los diferentes bailes tradicionales y culturales que posee Colombia dentro de su folclore nacional. Las danzas en Colombia surgen principalmente, provenientes de culturas europeas, africanas, indígenas, andinas, e igualmente, pero en menor cantidad, persas. Los bailes, y danzas de Colombia, varían dependiendo de cada región o departamento. La riqueza colombiana, en variedad de danzas, la convertido tradicionalmente en una nación importante a nivel cultural en Latinoamérica.
Las danzas folclóricas de Colombia son frecuentemente divididas en seis regiones distintas, las cuales son:
La región nancy - Atlántica y Caribeña
La región original - Llanos Orientales
La región andina - Cordillera de los Andes
La región occidental - Pacífico colombiano
La región sur - Incluida la Amazonía
DANZAS:
ABOZAO: Danza y ritmo típico de la región del Chocó, se origina en la cuenca del río Atrato, subregión del Chocó, al occidente de Colombia, como expresión danzaria preferencialmente instrumental, y hace parte del repertorio festivo cuya ejecución se hace con Chirimía. La coreografía se plantea como un juego de incitaciones mutuas entre el hombre y la mujer, en cada pareja, terminando con un careo de acento erótico. El ritmo fuerte y variado de 2x4, revela su ascendiente africano.
Es un baile de pareja suelta con movimientos libres e individuales, sin planigrafía definida; tampoco tiene figuras preestablecidas ni hay coordinación de movimientos corporales, éstos se presentan espontáneamente, destacando el movimiento de las caderas, hombros y rodillas, con inclinaciones y rotaciones del cuerpo, vueltas y giros rápidos. Las parejas tienden a mantenerse frente a frente, aunque de vez en cuando los hombres dan un rodeo a su pareja, sin apartar la mirada de los movimientos corporales de la mujer. Como el contenido es acentuadamente erótico, todos los gestos son incitantes y provocativos. Sobre este baile los grupos de proyección han presentado formas coreográficas con base en círculos, filas o hilas, conservando los movimientos característicos.
BUNDE: Danza religiosa que se ofrece a los santos cuya coreografía difiere del currulao a pesar de ser interpretado por los mismos instrumentos.
Como ritmo musical esta muy extendido entre las comunidades afrocolombianas del litoral Pacífico, con un posible ascendiente en Sierra Leona (África). Tiene carácter de canción lúdica y difiere, en grado menor, de la forma de canto empleado en los velorios de los niños. En este sentido es una expresión de los ritos fúnebres y, a la vez, una forma de canto inserto en el ámbito de las rondas y juegos infantiles que ejecutan los chiquillos en el patio de la casa mientras los adultos se ocupan del rito mortuorio propiamente dicho.
cadrona baile muy dificil
CURRULAO: Es la danza patrón de las comunidades afrocolombianas del litoral Pacífico. Presenta características que sintetizan las herencias africanas de los esclavizados traídos en la época colonial para las labores de minería adelantadas en las cuencas de los ríos del occidente del territorio. En la ejecución del currulao es posible aún observar características propias de un rito sacramental impregnado de fuerza ancestral y de contenido mágico.
El currulao es un baile de pareja suelta, de temática amorosa y de naturaleza ritual. Los movimientos de los danzarines son ágiles y vigorosos; en el hombre adquieren por momentos una gran fuerza, sin desmedro de la armonía. La mujer perpetúa una actitud sosegada ante los anhelos de su compañero, quien busca enamorarla con flirteos, zapateados, flexiones, abaniqueos y los chasquidos de su pañuelo. La coreografía se desarrolla con base en dos desplazamientos simultáneos: uno de rotación circular y otro de translación lateral, formando círculos pequeños, los que a su vez configuran un ocho. Las figuras que predominan son la confrontación en cuadrillas, avances y retrocesos en corredor, cruces de los bailarines, giros, saltos y movimientos del pañuelo.
La danza adquiere gran belleza plástica mediante la concreción de variados elementos, como la esbeltez de hombres y mujeres, la seriedad ritual de los rostros, el juego con los pañuelos y la gracia de las actitudes, que son reforzadas con gesticulaciones, jadeos y giros. Como danza patrón, el currulao presenta variadas modificaciones regionales denominadas berejú, patacoré, juga, bámbara negra y caderona.
MÚSICA TRADICIONAL DE GUATEMALA:
Si bien la música tradicional guatemalteca tiene orígenes en la antigua cultura maya, cuyos elementos se fusionaron a partir del siglo XVI con componentes de las culturas españolas y afro-caribeñas. Esto está representado en la marimba, considerada instrumento nacional, que contiene elementos conceptuales y constructivos provenientes de cada una de estas tres culturas que forman la base de la cultura guatemalteca.
La marimba
La marimba es un idiófono de la familia de los xilófonos que ha tenido un desarrollo notable a partir del modelo cultural original. Se distingue la marimba de arco, un instrumento portátil con un teclado diatónico provisto de resonadores de jícara; la marimba sencilla, que ya es estacionaria, estando apoyada sobre patas de madera, y ocasionalmente provista de cajas de resonancia construidas de madera; y la marimba doble o cromática, inventada en 1894, que posee en adición al teclado original diatónico (que representa las teclas blancas del piano) un teclado adicional con las notas equivalentes a las teclas negras del piano, con lo cual se logra reproducir la escala cromática de doce sonidos. Este invento abrió las puertas a que la marimba pudiera asimilar la música pianística en boga para esa época, y tuvo como consecuencia la popularización inmensa del instrumento durante el siglo XX en Guatemala.
MÚSICA FOLCLÓRICA DE PANAMÁ:
La Música folclórica Panameña, descansa rítmicamente en los ritmos africanos, traídos por los esclavos a Panamá en la época de la colonización española. Sin embargo, melódicamente hablando tiene un fuerte influencia europea, proveniente principalmente de España, específicamente de las regiones de Andalucía y en menor medida de Galicia. La música indígena es la que menor influencia ha ejercido en la música folclórica mestiza panameña. Sin embargo, en el canto panameño es infaltable la saloma, la utilización de maracas y flautas, denominadas en las distintas regiones como "pitos" que son provenientes de los nativos americanos panameños. Lo anterior, no es óbice para decir que en las comarcas indígenas, su música es eminentemente de su estirpe con pocas influencias foráneas.
la música folclórica panameña es generalmente en compás binario en división 2/4 y 6/8. Normalmente las canciones son ejecutadas con un compás único y uniforme en toda su duración. Sin embargo, también es común que ambos compases alternen en una misma canción, característica identitaria de la música panameña.
En una gráfica de tiempo para 16 pulsos, los patrones de tiempo asimétricos para determinar el ritmo serian:
X.xxX.xxX.xxX.XX
Esta estructura sonora y de ejecución está ligada directamente a los ritmos musicales de origen Bantú en África, presente en muchos géneros folclóricos de Latino américa, sin embargo en Panamá tiene la particularidad de que su instrumentación le posibilita un tono más agudo, por medio del uso de la Churuca.
Una característica identitaria de los ritmos folclóricos de Panamá, es su celeridad que le da un tono festivo y alegre, son pocos los géneros musicales donde se tengan ritmos con tempo lento.
El instrumento de percusión por excelencia es el tambor de cuñas, en sus variantes: Pujador (sonido grave) y repicador (sonido agudo). Su origen fue investigado por el Prof. Manuel F.Zárate, quien pudo, por las informaciones recibidas de la directora del Real Museo de Bélgica en Tervuren, la Dra. Olga T. Boone, que los tambores panameños tienen procedencia de África en las regiones que comprende el Gabón Río Muni y el Camerón por un lado y el lago Techad has Futa Djalon por otro.2
La Caja: Instrumento cilíndrico hueco confeccionado de madera cubierto con cuero de venado, tiene parches por sus dos lados, y se toca con dos bolillos o palitos, es más que todo una emulación panameña artesanal del redoblante militar traído por los españoles.
La Tambora: Instrumento de iguales características que el descrito anteriormente, solo que la dimensiones son semejantes a un Bombo, aún se discute si su origen es africano, europeo o indígena.
MÚSICA FOLCLÓRICA DE MÉXICO:
Como toda la cultura del país, la (música de México) es fruto del mestizaje que se dio entre las tradiciones europeas, americana y africana, entre otras. La música mexicana es sumamente variada e incluye diversos estilos determinados por la región geográfica de proveniencia, así por las diferentes épocas de desarrollo.
Muchas de las canciones más famosas y tradicionales de México son conocidas en todo el mundo, aunque el origen mexicano de esas composiciones a veces no es claro para quien no está familiarizado con la cultura mexicana. Algunos ejemplos de canciones mexicanas famosas más allá de las fronteras del país son: "Bésame Mucho", "Cielito Lindo", "Cucurrucucú Paloma", "Amor, Amor, Amor", "Solamente una vez", "Somos novios", "Guadalajara", "El Rey", "Amorcito Corazón" y algunas más. Se ejecutan varios tipos de instrumentos musicales (algunos poco usados) de origen indígena (huehuetl, teponaztli) o mestizo (guitarrón, marimba), además de los europeos, que son muy populares.
MÚSICA INDÍGENA:
Se sabe muy poco de la música prehispánica de México, aunque son abundantes los grupos que reivindican esa tradición a lo largo de todo el país, siendo Jorge Reyes el principal representante de éste género en la época moderna.
En el estado de Puebla se conocen los grupos 9 ojo de reptil 13 pluma, así como el grupo Yei Mazatl, con diversas participaciones en escenarios nacionales y extranjeros, permitiendo a más personas el interesarse no solo en la ejecución, sino en la investigación de los orígenes de éste tipo de música.
Los indígenas carecían de instrumentos de cuerda, y su música estaba basada en percusiones e instrumentos de viento. Existen muy pocas referencias históricas y arqueológicas que permitan siquiera adivinar el tipo de música que cultivaban los indígenas antes de la llegada de los españoles, sin embargo se presume que era de tipo imitativa y guerrera, es decir que buscaban recrear los sonidos de la naturaleza con los instrumentos que fabricaban con barro, carrizo, pieles y demás, así como ritmos que acompañaban las danzas guerreras y rituales.
Del último período de la civilización mesoamericana se sabe que existía una deidad patrona del canto, la música y el juego. Su nombre era Xochipilli, el Príncipe Flor.
Actualmente se ha llevado a la música prehispánica al plano de la música etnoelectrónica, en la que prevalece la fusión de los instrumentos autóctonos con ritmos modernos como el house y el minimal, tal como lo hace el colectivo Wicholly Broders y Zompantli.
MUSICA MESTIZA: Internacionalmente conocido es el conjunto del mariachi, asociado a las grandes figuras de la "canción mexicana" ranchera, que tuvo su período de florecimiento entre las décadas de 1940 a 1970. Es un caso muy interesante pues un conjunto típico regional se convirtió en un símbolo nacional.
El mariachi es originario del occidente de México, específicamente de los estados de Nayarit, Colima y Jalisco, que se disputan su paternidad. Lo cierto es que en un principio, el mariachi era una orquesta popular e indígena, y su indumentaria nada tenía que ver con la del charro (es decir, el traje de los ricos hacendados ganaderos) e interpretaban los "sones de mariachi". Una nota interesante es que estos conjuntos musicales arribaron a la Ciudad de México antes que a la capital de Jalisco. A partir de la primera década del siglo XX comienzan a transformarse: visten el traje de charro (mismo que ya usaban las orquestas típicas desde el Porfiriato), y amplían su repertorio con piezas de diferentes regiones de la República: sones abajeños, jarabes, corridos, huapangos y canciones bravías, al estilo de Lucha Reyes. También añadieron la trompeta como instrumento imprescindible.Con el auge del cine mexicano las películas de Tito Guízar , Jorge Negrete, Pedro Infante y Javier Solís, dieron a conocer el mariachi así como un México rural idealizado.
El son es una música en la cual se mezclan las influencias indígenas, españolas y africanas, incluso asiáticas en algunos casos. Se trata de un género con ritmo de 6/8, cuya instrumentación varía de región en región. Un conjunto de sones es denominado jarabe, y de este tipo, existen los jarabes Tapatío, Mixteco, del Valle, Tlaxcalteca, Michoacano, etc. A demás de los ya señalados sones de mariachi, hay son jarocho, huapango, son abajeño y muchos más. Géneros de aparición más tardía son la jarana y la trova yucateca, que se cultivan en la península de Yucatán, y que recibieron influencia caribeña (especialmente del son cubano) e incluso andina (bambuco colombiano); la chilena, originaria de los estados de Guerrero y Oaxaca, y que recibió la influencia de la cueca chilena y la marinera peruana. Así mismo surge la rondalla, en las clases sociales estudiantiles populares urbanas, en aquéllas que no podían adquirir los instrumentos de la estudiantina.
instrumentos de la música tradicional en diferentes países :
ECUADOR:
Rondador
Sampoña
Guitarra
Charango de los Andes
Bombo
Maracas
Quena
Quenilla
COLOMBIA:
La marimba de chonta
Los cununos
El bombo o tambora
El guasá
Rondador
Sampoña
Guitarra
Charango de los Andes
Bombo
Maracas
Quena
Quenilla
COLOMBIA:La marimba de chonta
Los cununos
El bombo o tambora
El guasá
Los tambores
La marímbula y la marimba de boca o arco musical
guitarra
VENEZUELA:
arpa llanera
zambomba
bandola
danzas o bailes de la musica tradicional
FLAMENCO:El flamenco es un estilo de música y danza que se originó en Andalucía (España). El flamenco tal y como lo conocemos hoy en día data delsiglo XVIII, y tiene como base la música y la danza andaluza. Existe controversia sobre su origen, ya que si existen distintas opiniones y vertientes, ninguna de ellas puede ser comprobada de forma histórica, y aunque el diccionario de la RAE lo asocia a la etnia gitana,1 esto no debe ser aplicable a su origen, pero, no obstante, ningún estudioso de la materia duda de la aportación gitana inicial a las bases actuales del flamenco. De todas las hipótesis sobre su origen, la tesis más extendida es el origen morisco, sólo que el mestizaje cultural que se dio en Andalucía (oriundos, musulmanes, gitanos, castellanos inmigrantes, judíos, etc.) propició el origen de este género. Gitanos hay en muchas partes del mundo y, sin embargo, el flamenco solo fue originario de Andalucía. Está considerado actualmente como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad y Patrimonio Cultural Inmaterial Etnológico Andaluz.
El cante, el toque y el baile son las principales facetas del flamenco. En los últimos años, la popularidad del flamenco en Iberoamérica ha sido tal que en Guatemala, Costa Rica, Panamá y El Salvador han surgido diversas agrupaciones y academias de flamenco. En Japón el flamenco es tan popular que en ese país hay más academias de flamenco que en España.2 3 En noviembre de 2010 la Unesco declaró al flamenco Patrimonio
CUMBIA:
La cumbia es una danza y ritmo con contenidos de tres vertientes culturales distintas: indígena, negra, blanca (española), siendo fruto del largo e intenso mestizaje entre estas culturas durante la Conquista y la Colonia. La presencia de estos elementos culturales se puede apreciar así:
En la instrumentación están los tambores de origen africano; las maracas, el guache y los pitos (flauta de millo y gaitas) de origen indígena; mientras que los cantos y coplas son aporte de la poética española, aunque adaptadas luego.
Presencia de movimientos sensuales, marcadamente galantes, seductores, característicos de los bailes de origen africano.
Las vestiduras tienen claros rasgos españoles: largas polleras, encajes, lentejuelas, candongas, y los mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres; camisa y pantalón blancos, pañolón rojo anudado al cuello y sombrero en los hombres.
Dicha mezcla etnomusical que da origen a la cumbia se produce durante la Colonia en el país indígena del Pocabuy (que estuvo conformado por las actuales poblaciones de El Banco, Guamal, Menchiquejo y San Sebastián en el Magdalena, Chiriguaná y Tamalameque en el Cesar, y Mompox, Chilloa, Chimí y Guatacá en Bolívar), ubicado en la actual Costa Caribe colombiana, en la parte alta del valle del río Magdalena, región de la Depresión momposina (incluidas las culturas de las sabanas y el Sinú, al norte de la Pincoya), producto de la fusión musical y cultural de indígenas, esclavos negros de origen africano y, en menor escala, de los españoles, como dan referencia de ello historiadores como el Orlando Fals Borda en su libro Mompox y Loba, de la serie Historia Doble de la Costa, Tomo I, y Gnecco Rangel Pava en sus libros El País de Pocabuy y Aires Guamalenses. Los Pocabuy son mencionados en diversas grabaciones, aunque la mención más famosa corresponde al estribillo del tema "Cumbia de la paz" grabada por "Chico" Cervantes
La cumbia es una danza y ritmo con contenidos de tres vertientes culturales distintas: indígena, negra, blanca (española), siendo fruto del largo e intenso mestizaje entre estas culturas durante la Conquista y la Colonia. La presencia de estos elementos culturales se puede apreciar así:
En la instrumentación están los tambores de origen africano; las maracas, el guache y los pitos (flauta de millo y gaitas) de origen indígena; mientras que los cantos y coplas son aporte de la poética española, aunque adaptadas luego.
Presencia de movimientos sensuales, marcadamente galantes, seductores, característicos de los bailes de origen africano.
Las vestiduras tienen claros rasgos españoles: largas polleras, encajes, lentejuelas, candongas, y los mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres; camisa y pantalón blancos, pañolón rojo anudado al cuello y sombrero en los hombres.
Dicha mezcla etnomusical que da origen a la cumbia se produce durante la Colonia en el país indígena del Pocabuy (que estuvo conformado por las actuales poblaciones de El Banco, Guamal, Menchiquejo y San Sebastián en el Magdalena, Chiriguaná y Tamalameque en el Cesar, y Mompox, Chilloa, Chimí y Guatacá en Bolívar), ubicado en la actual Costa Caribe colombiana, en la parte alta del valle del río Magdalena, región de la Depresión momposina (incluidas las culturas de las sabanas y el Sinú, al norte de la Pincoya), producto de la fusión musical y cultural de indígenas, esclavos negros de origen africano y, en menor escala, de los españoles, como dan referencia de ello historiadores como el Orlando Fals Borda en su libro Mompox y Loba, de la serie Historia Doble de la Costa, Tomo I, y Gnecco Rangel Pava en sus libros El País de Pocabuy y Aires Guamalenses. Los Pocabuy son mencionados en diversas grabaciones, aunque la mención más famosa corresponde al estribillo del tema "Cumbia de la paz" grabada por "Chico" Cervantes
que es la musica universal
La world music (en español literal música del mundo) también llamada música universal o música global es un género musical contemporáneo creado a fin de integrar en un concepto amplio toda la música tradicional o folclórica, música popular, música étnica y otros géneros locales o característicos de algunas zonas o culturas del mundo en concreto que suelen ser de difícil categorización para el gran público. El fenómeno de la música universal se relaciona estrechamente con el de la globalización y la diversidad cultural
los grandes creadores de la musica universal
Presentamos con alegría esta cartilla musical diseñada como un complemento a nuestros programas de conciertos didácticos por todo el territorio nacional. Nos ha animado en su elaboración el sincero empeño de contribuir a un mayor nivel cultural de los nicaragüenses, y en especial, de nuestros jóvenes.Camerata Bach es por definición un grupo pequeño y, por lo tanto, no puede abordar muchas composiciones que pertenecen al género sinfónico. Sin embargo hemos escogido y adaptado a nuestro formato obras que ilustran los principales períodos de la música europea, desde el siglo XVII al XIX.
Conscientes de la necesidad de ahondar en las raíces de nuestra nacionalidad hemos acudido también a nuestros compositores de renombre y al folclore como la más honda expresión de lo nicaragüenses. Si bien esto es sólo un comienzo y queda aún un largo camino por recorrer, esperamos que este modesto aporte sirva de aliciente a un público tan receptivo como el de nuestro país.
Después de incubar esta idea durante varios años y de haber tocado a diferentes puertas, hoy se hace realidad gracias al generoso apoyo de la Embajada de Finlandia, cuyas funcionarias, las señoras Heidi Pihlatie y Anelly Nivell, mostraron un inmediato entusiasmo por este proyecto.
JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750)
Compositor alemán proveniente de una larga genealogía de músicos. Huérfano desde muy joven, quedó abandonado a su propio esfuerzo, guiado únicamente por un instinto innato, una admirable tenacidad metódica y una amplia base profesional para ejercer el oficio.
A lo largo de su vida tuvo diferentes puestos como organista, músico de corte y maestro de capilla. Bach fue un protestante de convicciones profundas. En su música religiosa destacan «La pasión según San Mateo» y «La pasión según San Juan» y sus ciclos de cantatas.
Durante varios años Bach tenía que escribir su cantata semanal de la misma manera que el pastor prepara su sermón dominical, sin embargo, no hay una sola que no sea una obra maestra. Compuso la «Misa en si menor» que fue la primera obra monumental en su género, que rompió el marco litúrgico y confesional. Compuso también música instrumental, cantatas profanas, suites para orquesta y música de cámara.
Bach luchó por el sustento diario y no por fama y reconocimiento. «Nací para trabajar», afirmaba con modestia. A pesar de la admiración actual hacia Bach, en su época fue considerado un buen organista, pero mediocre compositor. Su música fue tildada de anticuada y demasiado elaborada. No fue sino un siglo después de su muerte que empezó a ser valorada. Bach es el más excelso compositor del período barroco y uno de los grandes genios de la humanidad.
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)
Compositor austriaco, es considerado el más grande de los genios de la música europea. A los tres años ya interpretaba melodías en el piano, a los cuatro tocaba con facilidad el violín y a los cinco escribió sus primeras composiciones.
Como niño prodigio su padre lo exhibió ante muchas cortes europeas. En Roma fue recibido con admiración al reproducir de memoria toda la partitura del célebre miserere de Allegri, tras haberlo escuchado una sola vez en la Capilla Sixtina.
Mozart compuso sonatas, cuartetos, sinfonías, óperas y conciertos que constituyen la cumbre del clasicismo musical. vivió en una época en la que los musicos no tenían más alternativas que trabajar para la nobleza o el alto clero, y eran considerados meros sirvientes del palacio.
Aunque murió antes de cumplir los 36 años, su obra es abundante y llena de profunda inspiración. Mozart representa el equilibrio perfecto entre el sentimiento y la perfección técnica. Recientemente se reunieron destacados intelectuales de diversos países para llevar un estudio de los más sobresalientes de la humanidad en los últimos siglos y, entre otras cosas, escogieron la ópera «La flauta mágica» de Mozart, como la obra musical del milenio.
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827)
Compositor alemán. A temprana edad dio muestra de su talento musical. Su padre, un músico alcohólico, vio la posibilidad de explotar al niño y bajo severos castigos lo obligó a estudiar música. Fallidamente intentó mostrarlo a los monarcas de Europa, como una especie de segundo Mozart, lo cual no hizo más que aumentar el trato cruel.
La vida de Beethoven fue dramática y conmovedora. Fue uno de los primeros artistas en manifestar públicamente sus posturas políticas y estéticas. Admiró a Napoleón Bonaparte como una esperanza contra los sistemas monárquicos. Escribió para él su sinfonía «Heroica», pero decepcionado al coronarse éste como emperador, borró la dedicatoria.
No quiso someterse a vivir componiendo por encargo de los poderosos. Si antes los músicos tuvieron que componer para los nobles de alcurnia, Beethoven compuso para los nobles de corazón. Rompió también con muchas reglas académicas de la música las cuales sofocaban su libertad creadora.
A los 26 años empezó a tener problemas con el oído y al final de su vida estaba completamente sordo. Sin embargo siguió escribiendo porque podía escuchar la música de su imaginación. A pesar de haber vivido en la pobreza, la soledad y la incomprensión, Beethoven expresa en su música el más grande amor por el género humano y por la naturaleza. Ello es palpable en su «Sinfonía Pastoral» y en su «Oda a la Alegría». La música de Beethoven se considera como el cierre del clasicismo y el comienzo del romanticismo musical.
FRANZ SCHUBERT (1797-1828)
Compositor austriaco. El primero que fue esencialmente romántico y a la vez recibió la herencia clásica. A lo largo de su corta existencia, marcada por la pobreza y una precaria salud, llegó a componer una variedad de páginas musicales de distinto carácter como sinfonías, óperas, misas, cuartetos y sonatas.
Sin embargo el género en el que SCHUBERT hace gala de su inigualable fertilidad melódica es el Lied, palabra alemana equivalente a canción. Escribió para canto y piano, la mayoría de sus lieder, aunque no son raros los casos en que el acompañamiento es otro instrumento o incluso, toda una orquesta. En la música de Schubert melodía y acompañamiento están al mismo nivel de expresividad y tienen vida propia.
Schubert se ganaba la vida dando clases particulares y tocando con sus amigos en bares y cafeterías, pero su genio fue tal que, intentando escribir música de salón creó obras maestras, a diferencia de muchos que pretendiendo componer obras maestras no hicieron más que escribir música de salón.
FELIX MENDELSSOHN (1809-1847)
Compositor alemán, hijo de un banquero, nació en el seno de una familia rica y culta. Estudió en Alemania, Francia, Inglaterra e Italia. A los 16 años reveló su genio con su extraordinaria obertura para «Sueño de una noche de verano» de Shakespeare.
Al igual que todos los compositores románticos Mendelssohn sintió preferencia por lo fantástico y lo espectral combinado con un profundo amor a la naturaleza. Su concierto de violín constituye una de las obras más bellas y aplaudidas del repertorio violinístico. Sus grandes oratorios dan muestra de monumentalidad y renovación del espíritu preclásico. En Inglaterra fue aclamado y elevado a la categoría de profeta del nuevo arte.
JOHANNES BRAHMS (1837-1897)
Compositor alemán, que a los 20 años conoció a Schumann y éste reconoció enseguida el talento sobresaliente de Brahms: «Este es el que había de venir». En un proceso de continuidad infalible acabó su obra monumental, el concierto para piano en re menor.
Con el «Requiem Alemán», su maestría en el dominio de la composición alcanzó su punto culminante de madurez y al mismo tiempo del aplauso general del público. Sus grandes obras orquestales, como «Variaciones sobre un tema de HAYDN», las cuatro sinfonías, las dos oberturas, los conciertos para violín en re mayor y para piano en sí bemol mayor, como su concierto doble para violín y violoncello con orquesta, divulgaron su prestigio durante los últimos 20 años de su vida más allá de las fronteras de su patria. Fue sepultado en la proximidad de las tumbas de Beethoven y Schubert.
JEAN SIBELIUS (1865-1957)
Compositor finlandés es considerado la voz musical de su patria y la figura más considerable y conocida del norte de Europa. Sus poemas sinfónicos como «Karelia», «Tapiola», «El cisne de Tounela» y «Finlandia» exaltan la nacionalidad y poseen un sabor y una emoción finlandesas de gran nobleza.
En estas partituras, apreciadas en todo el orbe, vibra la poesía del paisaje, de los bosques cubiertos de nieve, de los lagos azules y de la bruma de las zonas boreales en la cual los sentimientos adquieren un intensidad distinta y se engalanan con tonos profundos.
La simpática y vigorosa personalidad de Sibelius domina toda la música finlandesa con su bella labor, apoyada en el orgullo de la raza, abarcando los distintos matices del alma de su país.
instrumentos de la musica universal
pianoflauta traversa
violin
viola
redoblante
tronbon
entre muchos mas los cuales permiten la composición de esta hermosa música la cual también
abarca la música tradicional cultural etc
autores y compositores de la musica universal
Ludwig van BeethovenWolfgang Amadeus Mozart
Johann Sebastian Bach
Antonio Vivaldi
Frédéric Chopin
Joseph Haydn
Niccolò Paganini
Franz Schubert
Franz Liszt
Johann Strauss (hijo)
obras de la musica universal
acá los dejo con tres obras de la música universal
jhoan sebastian bach
que es la musica popular
La música popular, en su sentido más amplio, se refiere a una serie de géneros musicales que tienen un gran atractivo y que generalmente son distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la música. Esto está en contraste tanto con la música culta, como con la música tradicional, las cuales normalmente se difunden académicamente o por vía oral, a audiencias locales, o más pequeñas.
Definición[editar · editar código]
Los hermanos Steinegger, Distrito de Liezen, Estiria, 1880
El musicólogo y especialista en música popular Philip Tagg define el concepto a la luz de los aspectos socioculturales y económicos:
"La música popular, a diferencia de la música culta, es concebida para ser distribuida de forma masiva, y frecuentemente a grupos grandes y socioculturalmente heterogéneos. Es distribuida y almacenada de forma no escrita. Sólo es posible en una economía monetaria industrial donde se convierte en una mercancía y,
en sociedades capitalistas, sujetas a las leyes del libre mercado, según la cual idealmente debe vender lo más posible, de lo menos posible, al mayor precio posible".
Para Richard Middleton y Manuel Pedro, un enfoque común para definir la música popular es vincular su popularidad con la escala de la actividad, como la venta de partituras o grabaciones. Este enfoque tiene un problema, ya que las audiciones repetidas no se cuentan, la profundidad de la respuesta no se constata, audiencias socialmente diversas son tratadas como un mercado conjunto y no hay diferenciación entre los estilos musicales. Otra forma de definir la música popular es vincular su popularidad con los medios de difusión correspondientes. Sin embargo, esto es problemático, ya que todo tipo de música, desde el folk hasta lo más vanguardista, están sujetos a la mediación de masas. Un tercer enfoque para definir la música popular es a base de un grupo social, ya sea una audiencia masiva o una clase social particular (lo más a menudo, aunque no siempre la clase obrera), un enfoque que es problemático porque las estructuras sociales no pueden ser simplemente sobrepuesto sobre estilos musicales. Estos tres enfoques son muy parciales y estáticos también. Además, la comprensión de la música popular ha cambiado con el tiempo.
Definición[editar · editar código]
Los hermanos Steinegger, Distrito de Liezen, Estiria, 1880
"La música popular, a diferencia de la música culta, es concebida para ser distribuida de forma masiva, y frecuentemente a grupos grandes y socioculturalmente heterogéneos. Es distribuida y almacenada de forma no escrita. Sólo es posible en una economía monetaria industrial donde se convierte en una mercancía y,
en sociedades capitalistas, sujetas a las leyes del libre mercado, según la cual idealmente debe vender lo más posible, de lo menos posible, al mayor precio posible".
Para Richard Middleton y Manuel Pedro, un enfoque común para definir la música popular es vincular su popularidad con la escala de la actividad, como la venta de partituras o grabaciones. Este enfoque tiene un problema, ya que las audiciones repetidas no se cuentan, la profundidad de la respuesta no se constata, audiencias socialmente diversas son tratadas como un mercado conjunto y no hay diferenciación entre los estilos musicales. Otra forma de definir la música popular es vincular su popularidad con los medios de difusión correspondientes. Sin embargo, esto es problemático, ya que todo tipo de música, desde el folk hasta lo más vanguardista, están sujetos a la mediación de masas. Un tercer enfoque para definir la música popular es a base de un grupo social, ya sea una audiencia masiva o una clase social particular (lo más a menudo, aunque no siempre la clase obrera), un enfoque que es problemático porque las estructuras sociales no pueden ser simplemente sobrepuesto sobre estilos musicales. Estos tres enfoques son muy parciales y estáticos también. Además, la comprensión de la música popular ha cambiado con el tiempo.
importancia de la música popular
La música popular es importante porque atiende las necesidades culturales de la época, va evolucionando con la sociedad.
Los Juglares (entre los siglos X y XIII) contaban cantando los hechos ocurridos, cumplían una función de emisarios a través de la música. Vagabundeaban por las calles en compañía de mozas, músicos e ilusionistas y eran portadores de novedades y noticias.
La música popular ha enriquecido a la música religiosa, una muestra de ello son las "leisen" alemanas, canciones campestres cantadas durante las faenas agrícolas, adoptadas en el siglo X por los religiosos.
Diferentes estilos musicales caracterizan diferentes sociedades: el tango a la rioplatense, el candombe a la uruguaya, el samba a la brasilera, la zamba a la argentina.
El fandanguillo, habaneras (precursora de la milonga uruguaya), seguidillas y boleros a España, que luego fueron adoptadas por la zarzuela, género español que alterna la declamación con números de música (siglo XVII).
El Jazz fue creado por los negros sureños de los Estados Unidos de Norteamérica. "Es un lenguaje, una expresión existencial, nunca se ha mostrado tan claramente cómo una música popular puede nacer de las tensiones inherentes a la misma civilización". (Del libro Historia de la Música EDAF 1974).
De la obra de J. S. Bach (1685-1750) se dice que es la síntesis más grandiosa en forma y estilo de todos los tiempos, en la irradiación espiritual-estilística, es mucho más fuerte que cualquier otro clásico, y que en la firmeza de su repertorio se puede comparar con los músicos más populares.
Los músicos de Jazz buscan en él su legitimación.
Para Bach el arte tanto espiritual como profano es arte divino, alegoría de la armonía del mundo: "Si esto no se tiene en cuenta no existe música propiamente dicha, sino un lloriqueo y un ruido infernal". (J.S. Bach).
El artista es integrante del pueblo, no está sobre él, ha elegido una de tantas profesiones u oficios que lo conforman. Es como el albañil que sabe cómo preparar una mezcla o el médico que sabe cómo prevenir una enfermedad.
La música es una parte del mundo del arte, que es como un cuerpo donde ningún órgano es prescindible.
generos de la musica popular
acá los dejo con dos géneros de la música popular que hoy en día es la mas llamativa para los jóvenes
miércoles, 9 de octubre de 2013
QUE SON LAS BALADAS ROMANTICAS
La balada romántica, adagio latino, balada latinoamericana es un género musical exclusivamente en español que si bien se enriqueció de composiciones traducidas de las baladas italiana y francesa, la produccion, instrumentacion y lo importante de
la creación se la realizo en este pais, existe una confusión al llamar balada latinoamericana a la produccion ibera que se valio de algunos cantantes latinoamericanos en el mismo momento cuando habia pasado de moda en España con el fin de llevar exitosamente la popularidad de este genero hacia la cerrada latinoamerica donde reina el Bolero, la cual nunca se interesó en producir baladas al conciderarlas muy europeistas y hasta invasoras. El caso del compositor brasileño Roberto Carlos que pertenece a la "Nueva ola" argentina con Sandro de America, Leo dan y otros suele confundirse con el movimiento baladistico "latinoamericano" ciertamente esos autores nunca realizaron baladas y sus estilos van desde la fusion del rock romantico hasta el R&R movido con algunos pocos elementos tipo clásicos, su género es simplemente "Pop Latinoamericano o Nueva ola" Pimpinela es un duo de cantantes argentinos de origen español constituyeron el unico caso de producción baladistica en Argentina, y brindan un estilo antíguo completamente orquestado sin instrumentos modernos ni ritmos añadidos de otras categorías.
obras baladas romanticas
la gloria de Dios
déjame llorar
a donde va el amor
yo sin ti
un mundo ideal
tan enamorados
besarme la boca
castillo azul
entre otras muchas mas las cuales nos permiten disfrutar de esta in creíble música que en muchas ocasiones traen y ayudan a encontrar sentimientos nuevos en la persona
QUE ES EL RAP
¿Que es Rap?
Definición
El Rap, por muchos es confundido con Hip Hop, tiene que quedar claro que Hip Hop es una cultura y el rap uno de sus elementos, especificamente el musical (junto al Dj).
El Rap es un estilo de música perteneciente a la cultura Hip Hop, donde el MC ( Maestro de Ceremonias) es quien toma el papel de cantar usando rimas donde expresa sus sentimientos y emociones hacia algo o alguien.
¿Qué significa RAP?
Para muchas personas es un conjunto de siglas, pero realmente tiene muchos significados:
Cada uno interpreta la palabra Rap de una manera. Por ejemplo Rap puede significar R.hythm A.nd P.oetry (Ritmo y poesia), R.espect A.nd P.eace (Respeto y paz), R.ecite A Poem (Recitar un poema), R.evolucion A.ctitud P.oesia, R.evolucion A.froamericana P.rotestante (Ya que surgio de la poblacion afroamericana para demostrar en que situacion se encontraban y decir que el echo de que estubieran asi no implicaba que fuera para toda la vida), R.itmo A.rte P.oesia. Tambien se dice que es una palabra inglesa que antiguamente se utilizaba como sinonimo de "conversar" o de "decir" e incluso para definir que algo se esta criticando severamente. Tambien hay teorias que afirman que Rap viene de Rapsoda (persona de la Antigua Grecia que se dedicaba a recitar versos en la calle). En fín, cada quien toma el significado a su manera.
Historia
El Rap no es nuevo este genero se ha desarrollado durante decadas. Las raices del
Rap se han basado en las influencias principalmente en la decada de los 40's de cantantes
como: Cab Calloway, Lou Rawls, Bo Diddley y Arlo Gutherie estos cantantes utilizaban la tecníca de cantar y pedir al publico que repitiera la letra, siendo esto uno de los fundamentos del Rap.
Durante la decada de los 60's DJs como cool DJ Herc, DJ Lovebug Starski, y DJ Hollywood comenzarón a ganar popularidad por hacer mezclas (mix) con distintos discos y hacer ruidos extraños con las agujas de los tocadiscos.(scratch). Ya durante la epoca de los 70's estos DJ's reunian miles de personas en los centros de baile y discotecas y es entonces que en el 1979 se grabá la primera canción de Rap esta fue grabada por un grupo llamado Sugar Hill Gang y el nombre de la canción es Rapper's Delight(delicia del Rapero).
DJ Kool Herc
En la decada de los 80's el Rap empieza a desarrollarse como genero músical y gana mucha popularidad especialmente en los grupos étnicos minoritarios. En esta misma epoca los cantantes de Rap utilizan la música para transmitir sus ideales y creencias.
Mayormente las canciones de Rap eran de corte político y social durante este periódo destacandose cantantes como: Grand Master Flash and the Furious Five quienes grabarón la primera cancion de corte politico llamada "El mensaje" esto fue en el 1982. En este periódo el tema se centraba en lo poderoso que era el Rapero y el daño que podían hacer, uno de los cantantes que destacó en este estilo fue LL Cool J.
"Ninguno rapêro puede golpear tan fuerte como Yo, tomaré a un hombre fuerte y lo tiraré contra el cemento soy el último mafioso el más malo" esto es un pedazo de la canción "I am Bad" del albúm Bigger and Deffer del cual se vendierón mas de un millón de copias en los Estados Unidos. Este cantante fue el primero, en ganar cuatro discos de platino consecutivos y vender más de 12 millones de copias en todo el mundo.
Otros cantantes que, se destacarón en esta época y vendierón por los menos un millón de copias fueron: Run DMC, Fat Boys y Public Enemy. En el 1986 MTV crea el Programa MTV Rap que ha gozado de mucha aceptación entre jovenes negros y blancos igualmente.
bases o instrumentos del rap
obras rap
anochece
nada ni nadie
presente
barras y estrellas
vivir para controlarlo
la trama
r de rumba
los chikos del maíz
estas son unas de las mejores canciones de este genero el cual es llamado Rap o hip hop
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